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El significado del arte: su historia

Significado clásico

El significado después del RenacimientoComo punto de partida útil indicaremos que el significado del arte tiene una definición clásica que deriva de la palabra latina «ars» (que significa «habilidad» o «oficio»). Este amplio enfoque lleva a definir el arte como: «el producto de un cuerpo de conocimiento, a menudo utilizando un conjunto de habilidades». Así, los pintores y escultores del Renacimiento eran vistos simplemente como artesanos altamente cualificados. Artistas como Da Vinci y Miguel Ángel hicieron esfuerzos para elevar el estatus de los artistas a un plano más intelectual.

 

El significado del arte después del Renacimiento

El surgimiento de las grandes academias de arte europeas reflejó el gradual perfeccionamiento del tema. Nuevas e iluminadas ramas de la filosofía también contribuyeron a este cambio de imagen. A mediados del siglo XVIII, la mera demostración de habilidades técnicas era insuficiente para calificar como arte – ahora necesitaba un componente «estético» – tenía que ser visto como algo «bello».

A su vez, el concepto de «utilitarismo» se usó para distinguir las «bellas artes» más nobles (arte por el arte), como la pintura y la escultura, de las formas menores de «arte aplicado», como la artesanía y el trabajo de diseño comercial, y las «artes decorativas» ornamentales, como el diseño textil y el diseño de interiores.

Por tanto, a finales del siglo XIX, el arte se separó en al menos dos grandes categorías: las bellas artes y el resto. Situación que reflejaba el esnobismo cultural y las normas morales del establishment europeo. Además, a pesar de cierta erosión de la fe en las normas estéticas de la ideología del Renacimiento -que seguía siendo una poderosa influencia en todo el mundo de las bellas artes- incluso la pintura y la escultura tenían que ajustarse a ciertas normas estéticas para ser consideradas «verdadero arte».

 

Significado del arte durante los primeros años del siglo XX

Historia del significado del arteDespués llegó el Cubismo, que sacudió el establecimiento de las bellas artes hasta sus cimientos. No sólo porque Picasso introdujo una rama no naturalista de la pintura y la escultura. Sino porque rompió el enfoque monoteísta del Renacimiento sobre cómo el arte se relacionaba con el mundo que lo rodeaba. Así, la principal contribución del cubismo fue actuar como una especie de catalizador para una serie de nuevos movimientos que expandieron enormemente la teoría y la práctica del arte, como el Suprematismo o el Constructivismo, así como varios estilos realistas, como el Realismo Social y Socialista. En la práctica, esta proliferación de nuevos estilos y técnicas artísticas condujo a una nueva ampliación del significado y la definición del arte. Al escapar de su «camisa de fuerza renacentista», y de todas las reglas asociadas relativas a la «objetividad», las bellas artes se jactaban ahora de un elemento significativo de «subjetividad». Los artistas se encontraron de repente con una libertad mucho mayor para crear pinturas y esculturas según sus propios valores subjetivos. De hecho, se podría decir que a partir de este punto el «arte» comenzó a convertirse en «indefinible».

Las artes decorativas y aplicadas sufrieron una transformación similar debido a la disponibilidad de una gama mucho más amplia de productos comerciales. Sin embargo, el aumento del número de disciplinas de diseño y artesanía asociadas no tuvo un impacto significativo en la definición y el significado del arte en su conjunto.

 

Significado tras la Segunda Guerra Mundial

el cubismoEl final de la Segunda Guerra Mundial llevó a la desaparición de París como capital del arte mundial, y su reemplazo por Nueva York. Esta nueva tendencia americana llevó al arte a convertirse en un producto más comercial y a aflojar su conexión con las tradiciones existentes del esteticismo. Una tendencia fomentada por la aparición del Expresionismo Abstracto, el Pop-Art y las actividades de la nueva generación de artistas famosos como Andy Warhol. De repente, incluso los artículos y conceptos más mundanos se elevaron al estatus de «arte». Bajo la influencia de este enfoque populista, los conceptualistas introdujeron nuevas formas de arte. Como el ensamblaje, la instalación, el vídeo y la performance. A su debido tiempo, el graffiti añadió su propia marca. Así como numerosos estilos de reinterpretación, como el Neo-Dada, el Neo-Expresionismo y el Neo-Pop, por nombrar sólo tres. Las escuelas y colegios de arte del mundo predicaron el nuevo politeísmo, añadiendo más combustible a la hoguera de las tradiciones artísticas del Renacimiento.

 

El postmodernismo y el significado del arteEl postmodernismo

La redefinición del arte durante las tres últimas décadas del siglo XX ha recibido un peso intelectual añadido por parte de los teóricos del movimiento posmodernista. De acuerdo con los postmodernos, el enfoque se ha desplazado de la habilidad artística al «significado» de la obra producida. Además, al ser una obra «experimentada» por los espectadores en una galería de arte se ha convertido en un componente crítico de su valor estético. El éxito fenomenal de artistas contemporáneos como Damien Hirst, así como Gilbert y George, es una prueba clara en apoyo de este punto de vista.

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