A pesar de recibir severas opiniones por la crítica de arte, estos famosos artistas continuaron avanzando y persiguiendo su arte con la misma pasión. ¡Inspírate con sus historias!
EL PROCESO CREATIVO
El arte es una lucha – para todos. No sólo porque el proceso creativo implica un esfuerzo mental y físico riguroso, sino también porque es una carrera muy difícil de seguir. Con miles de profesionales creativos que luchan en todo el mundo para «sobrevivir», la búsqueda de la creación artística puede llegar a ser muy desalentadora. Sin embargo, el truco es seguir avanzando a pesar de todos los obstáculos a los que se enfrenta. Y cuando eso se vuelve difícil, puede ayudar volver a mirar a los maestros en busca de inspiración, ya sea artística o de otro tipo.
La mayoría de los maestros, tal como los conocemos ahora, no lo tenían tan fácil como pensamos. Ellos también lucharon, y lo más probable es que no, mucho más de lo que cualquiera de nosotros jamás necesitaremos. Sin embargo, lograron mirar más allá de los rechazos y la crítica de arte, y se concentraron en su arte solamente porque creían en sí mismos.
OBRAS RECHAZADAS POR LA CRÍTICA DE ARTE
Aquí están algunos de los obstáculos que los más grandes artistas enfrentaron en su vida para inspirarte a seguir adelante y hacer que te des cuenta de que el rechazo de la crítica de arte es sólo una parte de la lucha que te hace evolucionar como artista, no el final de la misma.
El sueño, Pablo Picasso
Tal vez el artista que más se conoce en todo el mundo, Pablo Picasso quien revolucionó el arte con su técnica innovadora y su profunda comprensión de la forma humana. Sin embargo, al igual que cualquier gran artista que haya vivido, su obra fue severamente tratada, por la crítica de arte, como «esquizofrénica» e incluso «satánica» en un principio. Carl Jung, un psiquiatra suizo, calificó su técnica como una «forma del inframundo», algo que era malvado y no pertenecía a las galerías de arte. «En cuanto al futuro Picasso, preferiría no probar mi mano en la profecía, porque esta aventura interior es un asunto peligroso y puede llevar en cualquier momento a un estancamiento o a un estallido catastrófico de los opuestos unidos», dijo.
Amanecer, Claude Monet
El término «Impresionismo», el movimiento artístico del que formaba parte Monet. Este término fue nombrado por una persona importante en la crítica de arte, Louis Leroy, que pretendía criticar las obras de Monet en la Exposición de los Impresionistas. Llamó a la pintura una «impresión» porque decía que las obras parecían incompletas y mostraban un mal manejo de la técnica. «Impresión, estaba seguro de ello. Me estaba diciendo a mí mismo que, como estaba impresionado, tenía que haber alguna impresión en ello – ¡y qué libertad, qué facilidad de trabajo! Un dibujo preliminar para un patrón de papel tapiz está más acabado que este paisaje marino», escribió en esta sarcástica reseña en Le Charivari, una revista francesa.
Olimpia, Paul Cezanne
Los impresionistas no eran muy conocidos entre los críticos. Habían organizado su propia exposición, algo que no era habitual en aquella época, para romper con el nepotismo y las restricciones académicas de la sociedad elitista sobre el arte. Paul Cézanne fue incluso llamado «loco» por Marc de Montifaud, crítico de arte y autor francés. Al describir su obra maestra, Olimpia, un cuadro inspirado en la obra de Manet, el crítico dice: «El Sr. Cézanne no hace más que dar la impresión de estar loco, pintando en estado de delirio tembloroso».
The Red Vineyard, Vincent Van Gogh
¿Quién no sabe de la triste, triste historia de Vincent Van Gogh? No, no estamos hablando del horrible incidente con la oreja. Estamos hablando del hecho de que el artista más famoso (hoy en día) sólo vendió un cuadro en toda su vida, y eso también, por sólo 400 francos. La mayoría de los críticos descartaron abiertamente sus obras como amateur, y algunos incluso llegaron a decir que era «extraño, intenso y febril».
Fuente, Marcel Duchamp
Todos sabemos que Marcel Duchamp es el mejor artista conceptual de todos los tiempos. Pero, ¿sabías que su obra más famosa, Fountain, sólo consiguió quedarse en la galería un par de días y fue tirada a la basura? Las piezas que existen hoy en día, 17 para ser exactos, son réplicas encargadas por el artista después de que el original se perdiera en 1917.
Shoe, Andy Warhol
La cara del arte pop, Andy Warhol, fue sin duda el artista más polémico de su tiempo. Importantes personajes del mundo de la crítica de arte calificaron sus obras de «fraude estético» y lo criticaron por reducir el arte a un «negocio de no intervención». En 1956, Andy Warhol donó una obra suya (Shoe) al Museo de Arte Moderno de Nueva York. Poco después, Barr Jr., el director de las Colecciones del Museo en ese momento, redactó una carta a Warhol rechazando su trabajo debido a la «limitación de la galería y del espacio de almacenamiento». «Debemos rechazar los regalos ofrecidos, ya que creemos que no es justo aceptar como regalo una obra que sólo se puede mostrar con poca frecuencia», explicó.
Hoy en día, el Museo de Arte Moderno tiene 168 obras de Warhol en su colección privada, incluyendo el Zapato.
Cathedra, Barnett Newman
Un artista pionero del movimiento de arte expresionista abstracto que tomó por asalto el arte americano, Barnett Newman fue uno de los artistas más influyentes de su tiempo. Pero no todo el mundo estaba impresionado con su técnica de campo de color. En una reseña para su exposición en el Instituto de Artes de Minneapolis, Getlein, un conocido crítico de arte de la época, comparó a Newman con un pintor de casas y dijo que el museo «podría haber salvado una buena parte si hubiera conseguido el plan y que los conserjes lo hubieran hecho funcionar con rodillos».